viernes, 4 de mayo de 2018

AEROSMITH

LA ANTIGUA FORTALEZA DE LOS HERREROS AÉREOS.


AEROSMITH, uno de los más sobresalientes grupos de la Historia del Rock se despidieron por desgracia y definitivamente en el pasado 2017, con una gira internacional. En homenaje a ellos retrocedemos desde éste 2018 hasta justo el principio, hace 45 años: en el punto exacto donde se activó su leyenda. Las etapas de los 80 y 90 (y más allá) del triunfante combo americano no deben obviarse pero esta vez nos retrotraeremos a su época de mayor veracidad, prestigio y calidad, en mi opinión: sus cuatro primeras y más redondas obras, publicadas durante los irrepetibles años 70.




En Enero de 1973, en una tienda de discos de Boston sobresale una portada con cinco melenudos como salidos de una nube (literal). Nadie sospecha que van a ser tan buenos como Led Zeppelin. Precisamente su nombre viene dado por influencia de nombres de grupos como Zeppelín de Plomo o Mariposa de Hierro (Iron Butterfly), con ese contraste entre lo liviano y lo macizo; denominaciones éstas muy en boga a finales de los 60.


 El quinteto de la foto del cúmulo-nimbo se denominan "Herrero Aéreo" (Aerosmith). Son fans de los Kinks, Stooges, Stones o Cream pero van a empezar a construir una fortaleza de cuatro paredes más duras que una roca y con su propia e intransferible seña.

La convincente ‘Make it’ (Hazlo) inaugura los surcos de este hercúleo y homónimo primer LP y estos rockeros bostonianos han iniciado su peculiar forja. En nómina aparecen los apellidos de los resistentes trabajadores Tyler, Perry, Kramer, Hamilton y Whitford y casi nunca resultará quebrada esa plantilla pentagonal. 
Tema "Make it"

Tras la relevante arrancada, aún con gazapos de producción, construyen su segundo muro, para mí el mejor: “Get Your Wings” (Consigue tus alas, 1974) donde planea majestuoso un rock excelso y horneado en su punto justo: maleable, ágil, alumínico y de matices catedráticos.
Season of Whiter

Se alza luego una tercera tapia infranqueable, que para los oyentes resultará más popular aún que la anterior: “Toys in the Attic” (Juguetes en el ático, 1975). Cada vez se siente más segura la banda en su pulido y perfeccionado castillo.  En este punto, los reconocimientos, la fama y las ventas se multiplican para los "aero-hombres".
La manzana de Adán

Y la cuarta muralla cierra el inexpugnable fortín donde empezaron a construir su reputación y a dar batalla a los dioses principales del hard-rock como Black Sabbath, ZZ Top, Deep Purple o los propios Zep. 
El cuidado pero fornido “Rocks” (¿son rocas o cubitos de hielo en 1976?), para algunos es su más logrado y gigantesco tabique. Y así es como crea el indestructible edificio.

Antes de que una mayor cantidad de comercialidad y sustancias prohibidas comiencen a desgastarlos a partir de 1977, programamos la máquina del tiempo para un bucle interminable que vuelve a enero de 1973 y que al llegar de nuevo a 1976, torne a empezar dicho ciclo temporal 73-76. Así, eternamente, permanecería yo en el reducto alado de los más setenteros, auténticos y mejores Aerosmith.


Escrito por Txus Iglesias.

miércoles, 2 de mayo de 2018

GUNS AND ROSES


¿VOLVERÁN GUNS AND ROSES 
A EDITAR UN ÁLBUM MEMORABLE EN 2018 o 2019?

Tras haberse celebrado por todo el mundo, en los últimos años, varios multitudinarios conciertos de Guns and Roses  y habiéndose hallado presentes allí Axl Rose, Slash, Dizzy Reed y Duff McKagan, es decir, la columna vertebral de la banda casi casi en su totalidad...ahora es obligado cuestionarse: ¿aparecerá un Nuevo Disco de esta histórica banda en 2018 o 2019? y de ser así ¿volverían a reverdecer sus más épicos instantes musicales o, por contra, aterrizarían en los errores en forma de álbum como con “The Spaghetti incident” o “Chinese Democracy”? 



Un fresco cancionero parecía encontrarse totalmente en marcha en 2017, algo que había dejado entrever en algunas declaraciones  su guitarrista, Richard Fortus, como por ejemplo en la publicación Stage Left:

Sin embargo, en esta primavera de 2018 parece que los propios Axl y Slash podrían centrarse en otros proyectos así que, quizás, haya que esperar. 

You Could be mine" de los G'N'R (1991)

Mientras sus incondicionales o sus detractores se plantean incógnitas de este tipo, lo mejor es que, mientras, rememoremos e invoquemos las antiguas glorias acerca de esta banda norteamericana de leyenda.




A mediados de los años 90, su afición por el coleccionismo de extralimitaciones no
dejó apreciar convenientemente que Axl, Slash o Izzy Stradlin también fueron arqueólogos del hard-rock; condición la cual sumó a favor de Guns ‘n’ Roses para ser un grupo particular dentro de este género. 

Slash /Axl en una foto clásica "guitarrista /cantante" 
dentro de la Rock History.

Aprovechamos para rememorar el  momento histórico de 1987, hace ahora
 justo 30 años, donde germinó su irrompible debut APPETITE FOR
 DESTRUCTION. Con voluntad de hormigón, las armas-rosas nos dieron la bienvenida a la jungla (inmejorable empiece ‘Welcome to the jungle’, sobre todo con su pequeño interludio a lo Hendrix).

 Tras la calidad férrica y veloz de ‘It´s so easy’, ‘Nightrain’, ‘Outta get me’ o ‘Think about you’ llegamos, por el contrario, a puntos mediáticos como ‘Sweet child of mine’, la cual fue sobre-edulcorada en shows para T.V, por ejemplo. Y así llegaríamos al final, hasta la bala en la recámara de la Gran Pistola/Pétalo: la interesantísima ‘Rocket Queen’. 


Ese ritmo entre feroz y sinuoso, ese narcotizante solo de guitarra a lo U2 o ese bridge vocal a lo Roger Daltrey 60’s (casi al final), hicieron de ella un atípico cierre de LP y entreabriría un portón (dejamos aparte el transitorio LIES de 1988) hacia virtuosismos y posibilidades que serían perfeccionadas en 1991 en el, aún mejor disco, más maduro, ambicioso y evolucionado como es USE YOUR ILLUSION (soy consciente que muchos no estarán de acuerdo). 


Reactivaron en esta obra su cualitativa y faraónica potencia con 'You could be mine' o 'Yesterdays', por ejemplo y también largas e indómitas aleaciones metálicas habitan allí como ‘Estranged’, ‘Coma’ o ‘The Garden’ (ésta con ayuda de Alice Cooper); en un inusual y bien ramificado cuádruple álbum. Una lástima que luego, la marcha para siempre de Izzy Stradlin y todo el archiconocido overstock de escándalos minimizaran una banda que de haber poseído, por entonces, más disciplina y cohesión internas seguro que hubiera evolucionado y navegado, más extrañamente que casi ninguna, hacia inexplorados y compactos atolones de zinc y estaño.
Yesterdays

Aguardemos ahora que en su posible y novedoso álbum de estudio, este imperial combo californiano (el cual, por cierto, lleva vendidos 100 millones de copias) siga recuperando buena parte de aquella añeja magia que se sacaron todos ellos del sombrero como el que luce Slash.


Artículo escrito por Txus Iglesias

lunes, 16 de abril de 2018

THE SMASHING PUMPKINS: MEZCOLANZA SÓNICA ENTRE EL CRISTAL Y EL TERREMOTO



THE SMASHING PUMPKINS:
MEZCOLANZA SÓNICA 
ENTRE EL CRISTAL Y EL TERREMOTO

Ahora que The Smashing Pumpkins ha recuperado casi toda su formación original para sus directos de 2018, recordaremos precisamente algunas sensaciones de la considerada por la mayoría (incluido el que aquí escribe), como la mejor y más gloriosa etapa suya; durante la primera mitad de los años 90. Esperemos que puedan recuperar este año 18 la frescura e inspiración de aquel verdor musical de antaño y también puedan lanzar nuevo disco con todos los miembros del principio que se apunten en la actualidad.


A través de los ojos del rubí de 1995, ¡impresionante!

Algunas jornadas planean lentas y rápidas a la vez. Igual ocurre con la música de los propios Pumpkins, ya que gotearon 8.400 días (más de cuatro lustros, nada menos) desde que empezó su a emitirse su “Tristeza Infinita”  es decir su más exitoso disco Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995).


Cuando mantuvieron la máxima tensión grupal, Billy CorganJames IhaJimmy Chamberlin y la virtuosa bajista D’arcy Wretzky, fueron capaces de ser maquinales leones incontrolados para, inesperadamente, metamorfosearse en unos querubines agazapados en la cueva.

Porcelina of the vast oceans

Y es que todo su solemne transformismo rock lo ejecutaban en impactantes canciones de esta obra como, por ejemplo, "Thru The Eyes Of Ruby", "Here Is No Why", "An Ode To No One", "Bullet With Butterfly Wings" o "Porcelina Of The Vast Oceans". En consecuencia, la banda de Chicago conglomeraba, a la perfección, el más crudo arrecife con la nana más psicotrópica, elevando así unos tiranos colmillos oníricos, de muchas millas de largo, que podían narcotizarte de la manera más agradablemente inexplicable.

El cuarteto de Chicago en su mejor época.

Efectivamente, el lícitamente ampuloso Corgan, con ese lastimoso pero inimitable modo de cantar, siempre condujo a sus lugartenientes hacia trayectos de mezcolanza sónica entre el cristal y el terremoto. Cualitativamente románticos o demoledores, según conviniese, se mostraron en su tercera apuesta, la cual es la más representativa de todo lo expuesto anteriormente. 


"Tonight, Tonight" , otra joya de los Pumpkins

Y es que es entre 1991 y 1995 cuando creció la cosecha más inspirada de “Las Calabazas Aplastantes” y este tercer LP, solo es parangonable en su faraonismo musical a The Wall de Pink Floyd o al más coetáneo Use Your Ilussion de Guns And Roses. Dicho de otro modo, con Gish (1991) y  Siamese Dream (1993) como plataformas de prueba y motores impulsores, los versátiles Pumpkins (una de las mejores bandas de aquella década noventera) emprendieron una odisea, aún mayor, hasta conocer personalmente a Mellon Collie y a su Tristeza infinita…

Escrito por Txus Iglesias

martes, 10 de abril de 2018

BLACK CROWES " The Southern harmony and musical companion" (1992)

The Southern Harmony and Musical Companion” (1992)  
THE BLACK CROWES

Fue en 1992 cuando efectuó su vigorosa entrada La Armoniosa y Musical Compañía Sureña.
Tal como aconteció con los Davies, los Young, los Reid, los Knopfler o los Gallagher, algo muy primordial tenía que erupcionar de dos hermanos rockeros, así que Chris y Rich Robinson no iban a quedarse rezagados. Sorbiendo de los infalibles manantiales del southern rock setentero como Lynyrd Skynyrd o los Allman Brothers y ¿por qué no? también de ZZ Top (los Crowes, por aquella época tuvieron un estridente conflicto con Gibbons y Cia. por un tema de permuta generacional), la banda de Atlanta volvió a izar al cielo la Bandera Confederada cuando ésta parecía abatida. Ronnie Van Zant y el General Robert E. Lee hubieran estado muy orgullosos de los Crowes y del resucitado testigo secesionista. 



Tras su primigenio pistoletazo de salida -aún por perfeccionar – "Agita Tu Máquina De Hacer Dinero" (1990), eclosiona en 1992 la egregia granizada de plomo Southern Harmony and Musical Companion (título en alusión a 335 Himnos Sureños en los Estados No Tan Unidos del siglo XIX) y que los situaba entre las diez mejores bandas americanas de la primera mitad de los noventa junto a Nirvana, Smashing Pumpkins, Guns & Roses ó Red Hot Chili Peppers, entre otros.


"Sting me" de los Crowes
La apertura de la grabación es una de las más huracanadas del historia del rock: la indómita ‘Sting me’ (Pícame hasta mis podridos huesos) engancha de seguido con ‘Remedy’ (indestructible su “I need a remedy-remedy-remedy-remedy”). 

La sosegada tensión acontece con ‘Thorn In My Pride’ o ‘Bad Luck Blue Eyes Goodbye”, pero vuelven a pisar -sin perder tiempo- el acelerador animalesco con ‘Sometimes Salvation’, ‘Hotel Illness’ y demás iras. Y es que el cantante Chris Robinson es aquí como un bronco cocodrilo de los pantanos de Georgia y nunca antes o después estuvo tan colérico con el mundo. Rich Robinson y –fundamentalmente- el enérgico y variado Marc Ford lo rocían todo de ese sonido de guitarras embarradas hasta el mástil, cualitativamente gruñonas, sello de la primera época del combo. Ed Harsch, para darles contrapunto, ofrece sus distinguidos teclados. El eficaz gremio rítmico con Johnny Colt al bajo y Steve Gorman a la batería complementan y equilibran al resto.

George Drakoulias, monumental también en la producción, acaba de engrasar dicha propuesta que supone una bofetada al rock más convencional al reenfocar de modo vigoroso el cocktail de cinco ingredientes: Missisipi-Nashvillle-Dixie-Stax-British R&B.
Esta obra, con su lograda cubierta color sepia suave envolviendo al desafiante grupo vagabundeando en un polvoriento cementerio de coches, sirve como portaaviones para la siguiente (aún mejor) como es Amorica (1994), que arroja nuevamente las coordenadas antes descritas, pero más potenciadas y roncas.



El excelente tema "Gone" de 1994

Aunque siguieron sirviendo muy buenos discos después de éstos, nunca más los Meridionales Cuervos coronaron un árbol tan alto dentro de su salvaje, pero disciplinado aleteo.

Escrito por Txus Iglesias

lunes, 2 de octubre de 2017

BECKER Y FAGEN: 50 AÑOS DE UN HISTÓRICO ENCUENTRO

BECKER Y FAGEN: 50 AÑOS DE UN HISTÓRICO ENCUENTRO

* (Artículo en homenaje a Walter Becker)

Hace justo 50 años, en Octubre de 1967, se produjo un encuentro histórico en el rock, el germen de una veraz amistad, un instante cardinal, uno de esos chispazos de fructífera asociación como pudo ser la de Lennon/ McCartney o Jagger/Richards. Hablamos de la pareja de compositores WALTER BECKER Y DONALD FAGEN.

Walter y Donald interpretando, en el Brill Bruilding en 1970
las canciones que habían compuesto entre 1967 y 1968.

El propio Becker, con 17 años, había acudido desde el barrio de Queens, a estudiar literatura y música hasta la Universidad Bard, en Anandale-On-Hudson, a 150 kms. de la capital Nueva York. Desde niño, hacia 1959, su padre le había aleccionado sobre la magia del jazz y animado a tocar el saxo o la melódica. Después, en 1966, Walter había aprendido a tocar la guitarra en su barrio junto a Randy “California” Wolfe (el cual tocaría posteriormente con Jimi Hendrix y con Spirit) aunque luego el propio Becker probó también el bajo, por considerar que este instrumento era menos problemático de dominar.

Dos niños con talento musical
destinados a encontrarse.

Mientras daba vueltas por el campus de la Universidad, ese Otoño del 67, Walter se apercibió que había un chico introvertido, algo mayor que él, de 19 años pero que era el líder musical de todas las pequeñas bandas de rock que pululaban por el club de música. Se llamaba Donald Fagen, el cual, desde pequeño se había enganchado primero a Chuck Berry y luego a los ecos jazzy. Además, su madre, Elinor, había sido cantante de tonadas populares y su hijo había heredado está condición de artista.
Un, ya por entonces, jazz-adicto Donald Fagen,
en 1965, en su primer año de Universidad.

Walter, en ese año 67, intentó entrar en alguno de esos combos pero se topó con que el bajista era el propietario del equipo musical que utilizaban todas aquellas bandas y que, como guinda, era el organizador de aquellas actuaciones. Así que Becker al comprobar que de momento no era posible, se sentó a escuchar tocar a todas esas formaciones conducidas por ese pianista de voz nasal, el cual no estaba muy satisfecho con los otros noveles guitarristas de “solamente rock” que tocaban con él.
Uno de los primeros temas
que compusieron juntos.
Excelente “Stone Piano”.

Un día que Fagen paseaba por la Facultad buscando músicos a los que sí les gustara mezclar rock con jazz (algo apenas habitual por entonces), entró en un edificio del propio campus llamado “El Globo Rojo” y escuchó a un muchacho, con gafas y tez aniñada, ensayar blues con su guitarra Epiphone y bordar temas de Howlin' Wolf. Al instante, Donald pensó admirado: “Este tío suena como un profesional”.

El teclista se le acercó y le dijo:
 -“Oye ¿quieres estar en una banda?”
-“Sí, claro”-fue la respuesta lógica del otro chaval, el cual era aún más tímido que Fagen.

Aquel guitarrista y bajista era el propio Walter Becker, naturalmente.

Dos socios y amigos

Se trataba de dos potenciales anti-estrellas contra el mundo. 

Enseguida se hicieron grandes colegas (“major dudes”) porque ambos provenían de familias humildes (a diferencia de otros estudiantes de la carísima Bard) y coincidieron en ser aficionados al jazz de los Miles Davis, Thelonius Monk o Charles Mingus, aunque también los dos imberbes eran devotos de Beatles, Zappa, Stones o Dylan. Por otro lado, compartían gustos por la literatura “beat” de William S. Burroughs o Jack Kerouac además de Vladimir Nabokov o varios novelistas de ciencia-ficción como Robert Heinlein, todos los cuales también influenciaron, con sus textos, a nuestros protagonistas.

Android Warehouse:
un primer arranque "sci-fi" de Fagen y Becker.

Al igual que practicamente la mayoría de los estudiantes de allí, el dúo coqueteó con drogas como el LSD y con las féminas cantantes de aquellos ambientes (a las que también hacían castings de voz) pero sobre todo, formaron unas cuantas bandas donde irían permutando, constantemente, una serie de músicos y los nombres de los propios combos. En Halloween-67, Becker y Fagen, por ejemplo, ofrecerían algún que otro concierto universitario de poca monta y llamaron a su grupo, ocasionalmente, Leather Canary, con el futuro actor, Chevy Chase, a la batería. Abordaban versiones de los propios Rolling Stones además de Moby Grape y Willie Dixon.

El propio Chase declararía sobre el joven Donald Fagen de por entonces: “La gente pensaba que era raro y callado y no se daban cuenta de que era realmente inteligente, brillante y divertido”.

Otra de sus magníficas composiciones
de sus primeros tiempos: "Yellow Peril"

En esa última parte de 1967, al mismo tiempo, Donald y Walter también comenzaron a componer sus primeras canciones: querían ser los nuevos Leiber/Stoller y trabajar al antiguo estilo de “songwriters” del Tin Pan Alley de los años 30. Como contrapunto, desde el primer momento, buscaron un sonido rock original pero influenciado y alimentado por sus héroes del jazz o el blues aunque sin quitar el oido de la radio para comprobar que ofrecían también bandas como sus paisanos Velvet Underground o los californianos Jefferson Airplane y Grateful Dead.

Soul Ram” atípica para aquella época.

Dentro de una de esas tonadas primerizas de Becker y Fagen, llamada “Soul Ram”, ambos ya escribieron e hicieron aparecer un término, original de una novela de W. Burroughs. Dicha frase, en 1972, les inspiraría para armar una de las más destacadas bandas de la historia del rock: STEELY DAN.

Inmortales y acerados “steelys” en 1972

Artículo escrito por Txus Iglesias,
autor del libro “Steely Dan, el rock más elegante”


WALTER BECKER WILL NEVER DIE!

sábado, 6 de mayo de 2017

INFORME: KIKO BARRIUSO-2017

KIKO BARRIUSO:
VIAJANDO POR DIVERSOS MUNDOS DE ACORDES

Enero del año 2017 y se estrena el primer single “True love”(Amor verdadero) del músico madrileño 
KIKO BARRIUSO...:

Primer single “True Love”
del disco en solitario de Kiko.


cause it's true love                                                                  Porque es el amor verdadero
that makes you feel happy                                                      el que hace sentirte feliz.
True love,                                                                                Amor verdadero
that makes you feel well                                                         el que hace sentirte bien.
True love,                                                                                Amor verdadero,
that make you feel you understand                                        el que te hacer sentir entendimiento.

...unos segundos antes de que termine esta canción que trata acerca de la autoestima y la pasión por la vida, despuntan algunas cuestiones sobre este espléndido intérprete; así que pulsamos la tecla STOP y rebobinamos la cinta de la trayectoria musical de Kiko hasta el inicio.

BOTÓN DE “REWIND”.

TECLA “PLAY”: Nacido en 1978, después ya en 1987 (con solo 9 años) el pequeño niño acude ilusionado al conservatorio a tomar clases de piano y solfeo para posteriormente ya, hacia 1992 (con 15 primaveras contemplándole), un adolescente Kiko comenzará a rasguear la guitarra. Es ahí donde, poco a poco, pierde interés por su base de música clásica y, por contra, irá sintiendo muy adentro una creciente admiración hacia verdaderos colosos de las seis cuerdas como Jeff Beck, Jimmy Page, Ritchie Blackmore, etc; sin olvidar la vena acústica de Paul Simon o Neil Young. -----> Casi nada al aparato instrumental.

El joven Barriuso comienza por tener un agraciado gusto musicómano e irá ya dando sus epilogales pasos con la púa y el fingerpicking, entre otras técnicas.
Kiko Barriuso, un intérprete de direcciones multirisadas.

Pero, no solo en la escuela sino que también “de autodidáctico oido” Kiko sabrá captar lo que le gusta y logrará ir reproduciendo sonidos tomados de los citados ídolos del rock aunque, a lo largo de los años, tampoco renunciará a otras músicas con grupos de jazz-fusión como la popular Weather Report (de Zawinul y Pastorius) o Return Forever y también solistas míticos como Chick Corea o Keith Jarret pero eso ocurrirá algo más adelante.

Por otro lado, además de desenvolver en el futuro otras facetas suyas como tocar el piano en un Hotel de Inglaterra o componer para dos musicales infantiles también, a partir de finales de los años 90, el teclista madrileño militaría, de manera secundaria, en diversas bandas de la capital española como SEÑOR ANTIPIRINA ( fiesteros ritmos latinos y africanos con influencias de Manu Chao o Mano Negra) y también pasaría por NANCY HOLE (hard-rock con Barriuso incluso de Bajista) o CLOSING TIME (dúo donde Kiko se estrena como segundo vocalista, haciendo versiones de “classic rock”) y alguna formación más entre los años 1999 y 2011, aprox.

Sin embargo, este ejecutante madrileño de amable trato personal, irá sacando tiempo para ir construyendo y acumulando composiciónes propias.

(Un buen músico sabe tocar de todo
y ese es el caso del artista que nos ocupa hoy: Kiko Barriuso)

El mismo Barriuso participó en 2001
en “Divertimentos” del combo Señor Antipirina.
Una grabación hecha en el Pais Vasco con directos posteriores.

Son momentos de coger cada vez más experiencia y donde Kiko va acumulando muchas cartas de distintos palos en su mano, esperando que le empiecen a llegar los ases de la baraja; los cuales se lleva trabajando mucho tiempo, insisto.

Consecuentemente, uno de los momentos culminantes de su carrera, por fin, llega en 2012 cuando un perfeccionista Kiko, apoyado en su preciado arsenal de teclados, decide liderar, producir y dirigir el proyecto de white-jazz fussion VERY UNCOMMON PEOPLE (Gente poco corriente) donde se le unen los duchos músicos y arreglistas Angel Novillo al bajo y Jesús Novillo a la batería. Ambos hermanos gemelos ayudarán a desarrollar y cristalizar la totalidad del “brainstorming” que gira a 33 r.p.m. dentro del creador del pomposo proyecto de virtuosas intenciones camaleónicas.

Gente poco corriente” destilando un trabajado jazz-fusión
y viajando por diversos Mundos de Acordes.
(Elaborada Portada dibujada por Juan Delgado)

Esto se traduce, en 2013, en un disco homónimo de 11 temas, RElativamente RElajados en algunas ocasiones como, por ejemplo, las iniciáticas tonadas de sensaciones optimistas 'VIDAS PARALELAS' (realmente vistosa) o 'FOLLOWING YOU' (“Siguiéndote” estamos Kiko hacia excelsos ritmos melómanos) además del estético misterio melancólico de 'CARAVANA' , 'SUAVE' y 'SEE YOU AT THE GEORGE' (Te veré en el pub “George”) y 'MILES AWAY' (Millas de distancia) o el esperanzado brillo de 'HUELLAS' .
Sin embargo, dentro de este esférico CD también cobran vida algunos contrapuntos más jugosamente acelerados como en la excepcional y virtuosa 'DESDE DENTRO' ( una de mis preferidas del álbum, con Kiko desatado a los teclados) , la dinámica agridulzura de 'DANDO CANDELA' o la curveada 'ATOMIC FUNK' (con el estupendo saxofonista Roberto Rioja reforzando este “Funk Atómico”, parafraseado de broma de un título de Van Halen).

En definitiva, que los álbumes relacionados, directamente, con Kiko siempre miman nuestro sentido del oido y jamás lo maltratan.

Actuación en directo de la banda madrileña V.U.P.
promocionando el invento.

En la autoeditada y camaleónica miscelánea jazzística que practica el trípode madrileño también conviven en armonía calculadas gotas de pop, funk, bossa nova, cubanismo, flamenco, estilo de películas o músicas del mundo. De manera adicional, lucen las colaboraciones como la de las seguras guitarras de Fernando Suárez o Raúl Vlanco (con “v”), una circunstancia que también se da en el sentimental tema 'IT'S HARD TO FALL IN LOVE' ( 'Es duro enamorarse') con la celestial voz de Sheila Blanco o la sentida y serena manera de cantar de Alexis Latorre.

RECOMENDACIÓN PARA EL PACIENTE-OYENTE:
Escuchar varias veces con calma este cancionero terapéutico
para poder llegar a saborearlo plenamente.
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Documental sobre el proceso 
de grabación del álbum susodicho.

De este modo y con el apoyo incluso de un documental incluido sobre las sesiones de grabación, se despierta un cierto interés en varios círculos de seguidores y revistas “jazzy”, a los cuales les cuesta bastante clasificar la inquieta línea de Very Uncommon People dentro del género musical comentado. Efectivamente, los más especialistas en este terreno le cogen aprecio a su “re-inventiva”, dentro de ese arduo laberinto de doble filo que es el Planet Jazz; asociándoseles incluso influencias como Tete Montoliú, Michel Legrand, etc, etc.
,
Kiko, un solvente pianista durante los primeros años
de la banda Very Uncommon People (2013-2016)

 Hacia 2016, Kiko en busca de nuevas sensaciones musicales, decide hacer un paréntesis con los Very Uncommon People, para encaminarse en dirección hacia el pop-rock y se lanza al registro ese mismo año 16 hacia una empresa en solitario; naciendo luego un EP de cuatro canciones en este 2017: pop fresco y más directo mezclado con country, reggae o soul.

Todo ello producido por Alejandro de Pinedo y con la colaboración de la vocalista Eva Torres para el ya comentado tema inicial 'TRUE LOVE' (Amor verdadero). Es ésta una canción donde algún oyente le emparentará con el pop-rock californiano de 10CC o Poussette Dart Band aunque el propio K.B. se ve a si mismo reflejos incluso de Traveling Wilburys o Bob Marley. Ya solamente por esa impagable guitarra "slide" y esa voz distorsionada se debe comprar, sin duda, el disco al muy hábil Kiko Barriuso, a la hora de alegrarnos un poco la vida.
Absolutamente Todo! es colocado
con distinguido acierto en esta magna portada.

Para gustos más intimistas, hace contraste la cristalina balada dedicada a tortolitos con problemas entre ellos 'SAVE YOUR LOVE' (Guárdate tu amor). Su grabación no fue nada sencilla y es mucho mucho más compleja de lo que aparenta, recordando quizás alguna melodía de Phil Collins, aunque solo a nivel vocal y por momentos.

También, en Abril de 2016, el chico de Sevilla-La Nueva (Madrid) vuelve a telefonear a sus canciones más felices para que acudan a su llamada y saca un cualitativo segundo single “QUISIERA SABER” que también tiene su confrontada versión inglesa con “I THINK YOU  SHOULD KNOW”, introducidas ambas en dicho álbum. Un tema dedicado a un amor no correspondido aunque expresado todo ello de manera desenfadada.
Segundo single en el idioma de Cervantes, “Quisiera saber”
también en versión en inglés dentro del mismo EP.

A pesar de esta relativa transformación hacia algo más accesible y con fuentes de Beatles, Bob Marley, el propio Neil Young o Van Morrison, nuestro protagonista trata de refractar y mantener todos los aprendizajes anteriores; atesorados éstos durante la totalidad de su trayectoria a través de los Amplios Mundos de los Compases Musicales.

Todo esto le vale la merecida aparición en importantes revistas como RUTA 66 ó MUZIKALIA, entre otras. En un futuro inminente aparecerán proyectos suyos alternativos como una canción para una película o un single-tributo a Madrid, al modo “crooner”. Además,  Kiko ya trabaja en la preparación de un segundo disco de Very Uncommon People.

Con un colega violinista durante la grabación del video “True Love”
...Y QUE LOS RAYOS DEL
MEJOR SOL MUSICÓMANO TE ILUMINEN, KIKO...

Pero como narrábamos al principio: esto es solo el principio (valga la giratoria redundancia) porque es ahora cuando estoy convencido de que Kiko Barriuso (también aficionado a la música de STEELY DAN) va a alcanzar el pico más elevado de su carrera y a continuar preparando jugadas maestras con silueta de canciones.

Muchos ánimos, Profesor. ----Lo mejor de lo mejor de tus universos musicales aún está por venir.
Estoy seguro de que lo conseguirás.

ARTÍCULO ESCRITO POR TXUS IGLESIAS,
autor del libro “Steely Dan: el rock más elegante”
y colaborador en diversas revistas musicales.



ENTREVISTA KIKO BARRIUSO EN RADIO(Una amena hora de preguntas,respuestas y música):